- Quiénes Somos
- Artes Visuales
- Artes Escénicas
- Literatura
-
Secciones
- Cultura vive
- De Propia Vox
- Inusitado fulgor
- Inusitado fulgor: Reseñas
- Directorio cultural
- Barrockeando
- Barranco en Agenda CIX
- Voluntariado en accion
- Agenda CIX: COVID-19
- COVID-19: Demos voz a la esperanza
- #COVIDー19: Eventos
- Testimonios en tiempos del coronavirus
- Trazos en cuarentena
- COVID-19: Múltiples rostros de la incertidumbre >
- COVID-19: Lente en aislamiento
- Silencio Punto Tú
- El PPED está contigo
- Agenda CIX: Elecciones 2018
-
Columnas
- Cultura digital
- Biblioteca digital
- Directorio Digital
- Jota en la palabra
- Los pies entre el cielo y la tierra
- Sublime creatura
- Camara lucida
- Ojos de lagarto
- Enfermedad violeta
- Santo veneno
- De cómo hacer visible lo invisible. Apuntes sobre el teatro
- Tierra de ciegos >
- Linea once
- Mira que bonito
- Fuera de contexto
- Un cronopio me conto
- Todo es ilustrable
- Contacto
Carlos Mesta:
"Lo importante es descubrir de qué forma debe ser mirada la historia que queremos contar"
Chiclayo, 27 de mayo de 2019
Por Francisco Echeandía Cevallos
Entrevista a Carlos Mesta, egresado del Estudio de Actores de la AAA dirigido por Ricardo Blume. Ha mantenido formación profesional especializada tanto en Perú como en USA y Cuba. Docente del curso Espacio Escénico de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP desde 1999 al 2010. Su labor profesional en dirección, actuación, diseño escenográfico y producción, se desarrolla en teatro, cine y televisión desde hace 34 años.
¿Cuándo tomas la decisión de ser diseñador de escenografía?
He imaginado y diseñado escenografías desde hace 29 años y nunca partió de una decisión. Fue más bien una dedicación paulatina. Desde el inicio, como actor y arquitecto tuve con el escenario una relación espacial ambivalente.
¿Cuál es la relación entre texto, espacio, director, luces, diseñador y construcción?
Son instancias de la creación de una realidad que ya existe en algún lugar y que está esperando ser imaginada y construida para un escenario. Es importante la capacidad de imaginar del creador y compartir lo imaginado con los otros creadores. Sin embargo, pocas veces lo construido supera lo imaginado.
¿Qué es lo primero que piensa para diseñar? ¿Cuáles son los límites creativos en relación a la producción-presupuesto?
Lo primero no es pensar, es sentir y percibir las primeras imágenes que aparecen a partir de una comprensión humana del texto. Al inicio, lo más saludable es no tener límites de producción o de presupuesto. Las primeras imágenes, para que sean verdaderas, no pueden aparecer con restricciones. El problema de presupuesto se resuelve en la instancia de diseño.
Coméntenos sobre la libertad de crear y lo que quiere el director
El teatro es un acto social, un acto conjunto, por tanto, el objeto creado es de todos. Siempre he trabajado con directores que han estimulado mi libertad de crear, tanto que cuando me tocó dirigir y diseñar mis propias escenografías, no sentí mayor diferencia.
¿Cuál es la relación y límites entre la escenografía y el actor?
No hay límites. El actor en acción es escenografía.
La línea es el primer trazo escenográfico. Adolphe Appia decía que la línea es el encuentro del espacio y del tiempo. Imposible concebir la línea sin el movimiento: es el movimiento, pues, quien realiza la conjunción del espacio y del tiempo. Desde el punto de vista estético sólo existe el movimiento corporal (el del actor).
¿Cuándo tomas la decisión de ser diseñador de escenografía?
He imaginado y diseñado escenografías desde hace 29 años y nunca partió de una decisión. Fue más bien una dedicación paulatina. Desde el inicio, como actor y arquitecto tuve con el escenario una relación espacial ambivalente.
¿Cuál es la relación entre texto, espacio, director, luces, diseñador y construcción?
Son instancias de la creación de una realidad que ya existe en algún lugar y que está esperando ser imaginada y construida para un escenario. Es importante la capacidad de imaginar del creador y compartir lo imaginado con los otros creadores. Sin embargo, pocas veces lo construido supera lo imaginado.
¿Qué es lo primero que piensa para diseñar? ¿Cuáles son los límites creativos en relación a la producción-presupuesto?
Lo primero no es pensar, es sentir y percibir las primeras imágenes que aparecen a partir de una comprensión humana del texto. Al inicio, lo más saludable es no tener límites de producción o de presupuesto. Las primeras imágenes, para que sean verdaderas, no pueden aparecer con restricciones. El problema de presupuesto se resuelve en la instancia de diseño.
Coméntenos sobre la libertad de crear y lo que quiere el director
El teatro es un acto social, un acto conjunto, por tanto, el objeto creado es de todos. Siempre he trabajado con directores que han estimulado mi libertad de crear, tanto que cuando me tocó dirigir y diseñar mis propias escenografías, no sentí mayor diferencia.
¿Cuál es la relación y límites entre la escenografía y el actor?
No hay límites. El actor en acción es escenografía.
La línea es el primer trazo escenográfico. Adolphe Appia decía que la línea es el encuentro del espacio y del tiempo. Imposible concebir la línea sin el movimiento: es el movimiento, pues, quien realiza la conjunción del espacio y del tiempo. Desde el punto de vista estético sólo existe el movimiento corporal (el del actor).
Sobre la visualidad y atmósfera, ¿Cuál es su opinión sobre la unidad entre vestuario, maquillaje, escenografía, utilería y luces?
Las imágenes que un creador usa para diseñar son, en realidad, evocaciones de lugares o momentos particulares y hasta personales, por tanto, contienen atmósferas sensibles. Realizar una propuesta espacial escénica implica la intervención de varios diseñadores. Conseguir un lenguaje espacial que integre todos los diseños es un rol que le compete al director artístico y es un trabajo no sólo artístico sino también funcional.
¿Que nos puede decir sobre escenografía estática y dinámica?
La escenografía pintada del siglo XIX era estática. A partir de Appia, todo espacio tridimensional potenciado por la luz se vuelve dinámico, por su calidad de evocación. Sin embargo, existe la escenografía viva, la que cambia, se mueve y sorprende. Si la vida en el escenario transcurre mientras la historia avanza, también la escenografía debe acompañarla. “El espacio viviente”.
¿Cuál es la diferencia entre resolver y crear?
La misma que puede haber entre función y metáfora.
¿Cuáles son las tareas principales de un diseñador? ¿A qué materiales recurre para la construcción de la escenografía? ¿Qué tipo de luz prefiere que acompañe a su diseño escenográfico?
Imaginar, transformar, componer, ser honesto, son tareas principales. No hay material del que no se valga el escenógrafo para imprimir la estética que desea en el escenario. La clave es conocer el comportamiento de los materiales que va a usar. No prefiero una luz en particular. Cada historia, montaje o vida, solicita su propia iluminación.
¿Qué tipo de escenario-espacio prefiere para trabajar?
Generalmente he trabajado en teatros a la italiana. Prefiero la configuración del anfiteatro griego, pero siempre he enseñado que cada historia solicita su propio Lugar Teatral, sea este: frontal, isabelino, corral español, circular, etc. Después de esta elección podemos enfocarnos en el trabajo del Espacio Escénico (escenografía), en el Lugar Escénico (escenario) que elegimos. Lo importante, es descubrir de qué forma debe ser mirada la historia que queremos contar.
¿Quiénes son sus referentes, maestros, profesores en el diseño de escenografía?
La arquitectura me facilitó el camino para la escenografía, a la que me acerqué por petición de Ricardo Blume. Marco Leclere fue el primer escenógrafo que conocí y Miguel Cock el primer realizador del que aprendí. Alberto Ísola es uno de los directores con mayor conciencia espacial con el que he trabajado. Gracias a él conozco grandes referentes como Richard Peduzzi y Luca Ronconi. Luis Peirano me invita a dictar el primer curso de Espacio Escénico en la PUCP. Y un realizador con gran capacidad de concretar diseños es, hasta ahora, Coco Luyo.
En su caso: ¿Cuál es la importancia de ser actor y diseñador escenográfico?
El teatro necesita un espacio para existir. Todo agente escénico debe tener la conciencia espacial desarrollada. En mi caso, el trabajo de escenógrafo amplió mi conciencia espacial-escénica de actor y facilitó mi mirada como director.
¿Qué siente cuando ve su obra en escena?
El camino del creador puede ser excitante pero también muy frustrante. El objeto imaginado dista mucho de ser el objeto terminado. También puede ser un proceso doloroso, según Moisés Lemlij en “La soledad del creador”. Sin embargo, si el proceso creativo ha sido honesto, todo lo compensa la magia de ver cómo la escenografía cobra vida en cada función. Es un instante de comprensión plena de vida. De asociaciones y por tanto de revelaciones.
¿Qué les dirías a las personas que quieren acercarse al diseño escenográfico?
Les agradecería. No hay muchos que quieran hacerlo y se necesitan. Busquen formación superior, para sentir y pensar el espacio con fundamento. Aunque lo más importante es estar alerta a las diferentes formas en que miramos y somos mirados. Es una de las cosas que hace avanzar la historia de la humanidad.
Las imágenes que un creador usa para diseñar son, en realidad, evocaciones de lugares o momentos particulares y hasta personales, por tanto, contienen atmósferas sensibles. Realizar una propuesta espacial escénica implica la intervención de varios diseñadores. Conseguir un lenguaje espacial que integre todos los diseños es un rol que le compete al director artístico y es un trabajo no sólo artístico sino también funcional.
¿Que nos puede decir sobre escenografía estática y dinámica?
La escenografía pintada del siglo XIX era estática. A partir de Appia, todo espacio tridimensional potenciado por la luz se vuelve dinámico, por su calidad de evocación. Sin embargo, existe la escenografía viva, la que cambia, se mueve y sorprende. Si la vida en el escenario transcurre mientras la historia avanza, también la escenografía debe acompañarla. “El espacio viviente”.
¿Cuál es la diferencia entre resolver y crear?
La misma que puede haber entre función y metáfora.
¿Cuáles son las tareas principales de un diseñador? ¿A qué materiales recurre para la construcción de la escenografía? ¿Qué tipo de luz prefiere que acompañe a su diseño escenográfico?
Imaginar, transformar, componer, ser honesto, son tareas principales. No hay material del que no se valga el escenógrafo para imprimir la estética que desea en el escenario. La clave es conocer el comportamiento de los materiales que va a usar. No prefiero una luz en particular. Cada historia, montaje o vida, solicita su propia iluminación.
¿Qué tipo de escenario-espacio prefiere para trabajar?
Generalmente he trabajado en teatros a la italiana. Prefiero la configuración del anfiteatro griego, pero siempre he enseñado que cada historia solicita su propio Lugar Teatral, sea este: frontal, isabelino, corral español, circular, etc. Después de esta elección podemos enfocarnos en el trabajo del Espacio Escénico (escenografía), en el Lugar Escénico (escenario) que elegimos. Lo importante, es descubrir de qué forma debe ser mirada la historia que queremos contar.
¿Quiénes son sus referentes, maestros, profesores en el diseño de escenografía?
La arquitectura me facilitó el camino para la escenografía, a la que me acerqué por petición de Ricardo Blume. Marco Leclere fue el primer escenógrafo que conocí y Miguel Cock el primer realizador del que aprendí. Alberto Ísola es uno de los directores con mayor conciencia espacial con el que he trabajado. Gracias a él conozco grandes referentes como Richard Peduzzi y Luca Ronconi. Luis Peirano me invita a dictar el primer curso de Espacio Escénico en la PUCP. Y un realizador con gran capacidad de concretar diseños es, hasta ahora, Coco Luyo.
En su caso: ¿Cuál es la importancia de ser actor y diseñador escenográfico?
El teatro necesita un espacio para existir. Todo agente escénico debe tener la conciencia espacial desarrollada. En mi caso, el trabajo de escenógrafo amplió mi conciencia espacial-escénica de actor y facilitó mi mirada como director.
¿Qué siente cuando ve su obra en escena?
El camino del creador puede ser excitante pero también muy frustrante. El objeto imaginado dista mucho de ser el objeto terminado. También puede ser un proceso doloroso, según Moisés Lemlij en “La soledad del creador”. Sin embargo, si el proceso creativo ha sido honesto, todo lo compensa la magia de ver cómo la escenografía cobra vida en cada función. Es un instante de comprensión plena de vida. De asociaciones y por tanto de revelaciones.
¿Qué les dirías a las personas que quieren acercarse al diseño escenográfico?
Les agradecería. No hay muchos que quieran hacerlo y se necesitan. Busquen formación superior, para sentir y pensar el espacio con fundamento. Aunque lo más importante es estar alerta a las diferentes formas en que miramos y somos mirados. Es una de las cosas que hace avanzar la historia de la humanidad.
Sobre Carlos Mesta
Cursa la Maestría de Artes Escénicas en la Universidad Católica. Bachiller en Arquitectura por la Universidad Ricardo Palma. Diplomado en Gestión Cultural por la PUCP.
Egresado del Estudio de Actores de la AAA dirigido por Ricardo Blume. Ha mantenido formación profesional especializada tanto en Perú, como en USA y Cuba. Docente del curso Espacio Escénico de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP desde 1999 al 2010. Su labor profesional en dirección, actuación, diseño escenográfico y producción, se desarrolla en teatro, cine y televisión desde hace 34 años. Docente de actuación en la Escuela de Artes Escénicas de la Universidad Científica del Sur UCSUR desde 2010 hasta la actualidad. En el Conservatorio de Formación Actoral del Británico, desde 2008-2 hasta enero 2018 y en su propio taller de formación actoral desde 2016 hasta la actualidad.
Cursa la Maestría de Artes Escénicas en la Universidad Católica. Bachiller en Arquitectura por la Universidad Ricardo Palma. Diplomado en Gestión Cultural por la PUCP.
Egresado del Estudio de Actores de la AAA dirigido por Ricardo Blume. Ha mantenido formación profesional especializada tanto en Perú, como en USA y Cuba. Docente del curso Espacio Escénico de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP desde 1999 al 2010. Su labor profesional en dirección, actuación, diseño escenográfico y producción, se desarrolla en teatro, cine y televisión desde hace 34 años. Docente de actuación en la Escuela de Artes Escénicas de la Universidad Científica del Sur UCSUR desde 2010 hasta la actualidad. En el Conservatorio de Formación Actoral del Británico, desde 2008-2 hasta enero 2018 y en su propio taller de formación actoral desde 2016 hasta la actualidad.
Este obra está bajo una licencia de Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 4.0 Internacional