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Alfonso Santistevan: “La técnica podría parecer un método infalible de lograr algo y en el arte eso no es posible”
Chiclayo, 12 de noviembre de 2018
Por Francisco Echeandía Cevallos
Entrevista a Alfonso Santistevan de Noriega (Arequipa 1955), director, dramaturgo, docente y actor de teatro. Sus inicios fueron en el Teatro de la Universidad Católica, el Teatro Nacional Popular y el grupo Cuatrotablas, además de trabajar con varios directores de teatro limeño. Es director de teatro desde 1979 y dramaturgo desde 1986. Entre sus obras tenemos El caballo del Libertador, Esperando la ocasión, Pequeños héroes, Naturaleza viva, Vladimir, La puerta del cielo, entre otras.
Sobre el actor:
La herramienta del actor es el cuerpo y la voz, ¿Qué debe aprender el cuerpo y la voz?
El cuerpo y la voz aislados no son nada para el actor. Hay que verlos en acción para que se conviertan en teatro. Eso es lo primordial para aprender.
¿Qué herramientas se le debe dar al actor en formación para que aprenda a apropiarse del personaje?
Actuar es ponerse en el lugar del otro mental y físicamente, plenamente, sin reservas. Eso es lo único que hay que aprender de verdad. Lo demás, los bloqueos, limitaciones y posibilidades del cuerpo, la voz, el movimiento, etc. viene luego y solo tiene sentido si uno es capaz de ponerse en el lugar del otro.
¿Qué es el entrenamiento del actor? ¿Qué debe encontrar en su entrenamiento personal?
Muchas veces se cree que el entrenamiento del actor tiene como propósito adquirir una destreza corporal o vocal o acrobática. No se trata de nada de eso. El entrenamiento de un actor es para ayudarlo a entrar en un estado – que no es nada esotérico sino algo muy concreto: una disposición para la acción – que le permita actuar de la manera más completa y profunda posible.
¿Cómo aplica el trabajo de la imaginación en el actor? ¿Algún comentario sobre Michael Chejov al respecto?
Si uno es capaz de imaginar será capaz de actuar. De hecho, actuar es poner la imaginación en acción. Todos somos capaces de imaginar, pero no siempre lo sabemos. La imaginación tambien se entrena, se despierta. Sobre Chejov prefiero no opinar pues no lo conozco a profundidad.
¿Cómo el actor podría trabajar las acciones físicas en una escena quieta? ¿quizá con la contención?
No me gusta la división enre acciones físicas y acciones no físicas. Todas son físicas (aun la voz es física) porque si no, no constituyen un signo. La quietud es una acción, aunque no haya movimiento porque está en relación con los otros, con el espacio y porque sentimos el efecto del tiempo en la quietud.
¿Que opinión puede hacer del texto de Hamlet cuando se dirige a los comediantes? (… de la acción a la palabra y de la palabra a la acción…)
Es un texto para reflexionar. No debemos entenderlo como una receta sino como un ideal de teatro. El teatro como espejo que revela lo que la visión directa de la realidad no siempre muestra.
¿Qué debe saber y aprender un estudiante de actuación?
A ser su propio maestro, a tener curiosidad, a descubrir, a sentir, a observar a trabajar con el otro siempre.
El cuerpo y la voz aislados no son nada para el actor. Hay que verlos en acción para que se conviertan en teatro. Eso es lo primordial para aprender.
¿Qué herramientas se le debe dar al actor en formación para que aprenda a apropiarse del personaje?
Actuar es ponerse en el lugar del otro mental y físicamente, plenamente, sin reservas. Eso es lo único que hay que aprender de verdad. Lo demás, los bloqueos, limitaciones y posibilidades del cuerpo, la voz, el movimiento, etc. viene luego y solo tiene sentido si uno es capaz de ponerse en el lugar del otro.
¿Qué es el entrenamiento del actor? ¿Qué debe encontrar en su entrenamiento personal?
Muchas veces se cree que el entrenamiento del actor tiene como propósito adquirir una destreza corporal o vocal o acrobática. No se trata de nada de eso. El entrenamiento de un actor es para ayudarlo a entrar en un estado – que no es nada esotérico sino algo muy concreto: una disposición para la acción – que le permita actuar de la manera más completa y profunda posible.
¿Cómo aplica el trabajo de la imaginación en el actor? ¿Algún comentario sobre Michael Chejov al respecto?
Si uno es capaz de imaginar será capaz de actuar. De hecho, actuar es poner la imaginación en acción. Todos somos capaces de imaginar, pero no siempre lo sabemos. La imaginación tambien se entrena, se despierta. Sobre Chejov prefiero no opinar pues no lo conozco a profundidad.
¿Cómo el actor podría trabajar las acciones físicas en una escena quieta? ¿quizá con la contención?
No me gusta la división enre acciones físicas y acciones no físicas. Todas son físicas (aun la voz es física) porque si no, no constituyen un signo. La quietud es una acción, aunque no haya movimiento porque está en relación con los otros, con el espacio y porque sentimos el efecto del tiempo en la quietud.
¿Que opinión puede hacer del texto de Hamlet cuando se dirige a los comediantes? (… de la acción a la palabra y de la palabra a la acción…)
Es un texto para reflexionar. No debemos entenderlo como una receta sino como un ideal de teatro. El teatro como espejo que revela lo que la visión directa de la realidad no siempre muestra.
¿Qué debe saber y aprender un estudiante de actuación?
A ser su propio maestro, a tener curiosidad, a descubrir, a sentir, a observar a trabajar con el otro siempre.
Sobre la dirección:
¿Cuál es la relación entre dirección y visualidad?
Si por visualidad entendemos la plástica, lo visual del teatro, diría que hay una gran relación porque una buena parte de los signos que llegan al espectador son visuales. Sin embargo, otra cosa es hablar de estética. El director sin duda propone una estética en el espectáculo, pero no desde un gusto aceptado sino desde una búsqueda artística original.
¿Cómo un director puede aprender a hacer visible lo invisible?
Poniendo los elementos necesarios en el orden necesario para que el espectador haga la operación de descubrir aquello que queremos que descubra.
¿Se piensa desde un inicio el lenguaje escénico?
El lenguaje escénico es la construcción de una convención entre el espectáculo y el espectador. No hay teatro sin lenguaje escénico, pero este puede ser muy distinto de un director a otro y aun de una obra a otra. Se piensa el lenguaje escénico desde el principio de un proceso, pero aparece como una intuición, no como una certeza o una decisión firme. Se va construyendo en el proceso.
¿Qué debe saber y aprender un estudiante de dirección escénica?
A trabajar con el actor y con el espectador. El director es representante del espectador mientras este no llegue.
Si por visualidad entendemos la plástica, lo visual del teatro, diría que hay una gran relación porque una buena parte de los signos que llegan al espectador son visuales. Sin embargo, otra cosa es hablar de estética. El director sin duda propone una estética en el espectáculo, pero no desde un gusto aceptado sino desde una búsqueda artística original.
¿Cómo un director puede aprender a hacer visible lo invisible?
Poniendo los elementos necesarios en el orden necesario para que el espectador haga la operación de descubrir aquello que queremos que descubra.
¿Se piensa desde un inicio el lenguaje escénico?
El lenguaje escénico es la construcción de una convención entre el espectáculo y el espectador. No hay teatro sin lenguaje escénico, pero este puede ser muy distinto de un director a otro y aun de una obra a otra. Se piensa el lenguaje escénico desde el principio de un proceso, pero aparece como una intuición, no como una certeza o una decisión firme. Se va construyendo en el proceso.
¿Qué debe saber y aprender un estudiante de dirección escénica?
A trabajar con el actor y con el espectador. El director es representante del espectador mientras este no llegue.
Sobre la dramaturgia:
Cuando se escribe, ¿a quién se debe dirigir la escritura teatral?
Sin duda al espectador. Sin embargo, las acotaciones – si las hay – están dirigidas al director, a los actores a los diseñadores, productores, etc. para que, a través de ellos, lleguen al espectador.
Desde el concepto aristotélico, ¿cómo el dramaturgo puede llegar a la catarsis?
No me gusta trabajar con conceptos que terminan siendo entendidos como una preceptiva de lo que está bien o mal en la escritura. El escritor puede tomar diferentes técnicas – no tiene que aprenderlas de nadie, solo observar a otros escritores – y libremente aplicarlas de acuerdo a su sensibilidad.
¿Qué debe saber y aprender un estudiante de dramaturgia?
Debe saber que lo que escribe va a ser escuchado, no leído, por el espectador. Que hay un espectador atento a lo que propone cuya sensibilidad está trabajando a lo largo de toda la obra. Debe aprender a escuchar lo que siente, lo que piensa, desarrollar su sensibilidad. Debe ser capaz de ponerse en la piel de sus personajes.
Sobre los tres puntos:
¿Cuál es la diferencia entre técnica y poética?
No uso estos términos por lo general. Se prestan a confusiones. La técnica podría parecer un método infalible de lograr algo y en el arte eso no es posible. La poética puede parecer un conjunto de normas acerca de lo que es correcto y lo que no lo es. Esto en arte no es saludable.
¿Para qué buscar la formación como artista, ya sea como actor, director o dramaturgo?
Hay que buscarla solo si uno siente profundamente que esto es lo que quiere hacer. Hay que reflexionar sobre las razones para decidirse por una profesión como esta. Es un camino duro, por tanto, la decisión no puede ser frívola.
¿Cuál es su comentario sobre investigación y exploración en los tres campos?
Hay que distinguir: hay dos tipos de investigaciones, la que está dirigida a la creación y la que está dirigida a la reflexión sobre la creación. Son diferentes y no deben ser confundidas. La exploración parece más ligada a la búsqueda artística.
¿Cuál es su pregunta? ¿Qué se cuestiona desde la pedagogía en la formación de actores, directores y dramaturgos?
Creo que hay un exceso de fe en los métodos, las técnicas, las poéticas y preceptivas. Se olvida que esto es arte y que el arte depende de la libertad del artista. Cuestiono que muchas veces se vea al estudiante como alguien que desconoce, que no ha sido iniciado en una verdad de la que el profesor participa. Lo que pienso y practico es enfrentar al alumno a su libertad, darle poder, hacerlo decidir constantemente.
Sin duda al espectador. Sin embargo, las acotaciones – si las hay – están dirigidas al director, a los actores a los diseñadores, productores, etc. para que, a través de ellos, lleguen al espectador.
Desde el concepto aristotélico, ¿cómo el dramaturgo puede llegar a la catarsis?
No me gusta trabajar con conceptos que terminan siendo entendidos como una preceptiva de lo que está bien o mal en la escritura. El escritor puede tomar diferentes técnicas – no tiene que aprenderlas de nadie, solo observar a otros escritores – y libremente aplicarlas de acuerdo a su sensibilidad.
¿Qué debe saber y aprender un estudiante de dramaturgia?
Debe saber que lo que escribe va a ser escuchado, no leído, por el espectador. Que hay un espectador atento a lo que propone cuya sensibilidad está trabajando a lo largo de toda la obra. Debe aprender a escuchar lo que siente, lo que piensa, desarrollar su sensibilidad. Debe ser capaz de ponerse en la piel de sus personajes.
Sobre los tres puntos:
¿Cuál es la diferencia entre técnica y poética?
No uso estos términos por lo general. Se prestan a confusiones. La técnica podría parecer un método infalible de lograr algo y en el arte eso no es posible. La poética puede parecer un conjunto de normas acerca de lo que es correcto y lo que no lo es. Esto en arte no es saludable.
¿Para qué buscar la formación como artista, ya sea como actor, director o dramaturgo?
Hay que buscarla solo si uno siente profundamente que esto es lo que quiere hacer. Hay que reflexionar sobre las razones para decidirse por una profesión como esta. Es un camino duro, por tanto, la decisión no puede ser frívola.
¿Cuál es su comentario sobre investigación y exploración en los tres campos?
Hay que distinguir: hay dos tipos de investigaciones, la que está dirigida a la creación y la que está dirigida a la reflexión sobre la creación. Son diferentes y no deben ser confundidas. La exploración parece más ligada a la búsqueda artística.
¿Cuál es su pregunta? ¿Qué se cuestiona desde la pedagogía en la formación de actores, directores y dramaturgos?
Creo que hay un exceso de fe en los métodos, las técnicas, las poéticas y preceptivas. Se olvida que esto es arte y que el arte depende de la libertad del artista. Cuestiono que muchas veces se vea al estudiante como alguien que desconoce, que no ha sido iniciado en una verdad de la que el profesor participa. Lo que pienso y practico es enfrentar al alumno a su libertad, darle poder, hacerlo decidir constantemente.
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